Depois de passar pelo Rio de Janeiro (MAR) e Salvador (MUNCAB), a exposição “Um Defeito de Cor” foi montada em São Paulo (SESC Pinheiros). Inspirada no livro homônimo da autora mineira Ana Maria Gonçalves lançado em 2006, a curadoria é da escritora ao lado de Marcelo Campos e Amanda Bonan, do Museu de Arte do Rio – MAR, responsável pela concepção original da exposição.

A mostra é resultado da parceria entre o Sesc São Paulo e a Organização dos Estados Ibero-americanos para a Educação, a Ciência e a Cultura (OEI) e traz 372 peças. Um recorte da produção moderna e contemporânea que tem em seu cerne a cosmogonia africana a partir de de 131 artistas, potencializando a arte feita por uma maioria de artistas negros e negras, além de 17 convidados a]para produzir novas obras para a exposição.

A exposição pretende promover um profundo mergulho pelas quase mil páginas do texto de “Um Defeito de Cor” e toma seus dez capítulos como metodologia de divisão de núcleos temáticos em uma estrutura circular de fruição que transborda as questões da ancestralidade nas visualidades da mostra e proposta expográfica. Além dos curadores, fazem parte do processo de criação os artistas Ayrson Heráclito, consultor que assina a expografia ao lado de Aline Arroyo, e Tiganá Santana, curador da paisagem sonora que envolve o ambiente.

Nos meses em que esteve em cartaz no Rio de Janeiro, a mostra foi bem recebida pelo público, com visitação expressiva, deixando clara sua potência. É importante destacar que, antes da vinda para o Sesc Pinheiros, esta itinerância passou pelo Museu da Cultura Afro-Brasileira (Muncab), fazendo uma importante triangulação entre instituições e abrangência de públicos do Rio de Janeiro, Salvador e São Paulo.

EXPOSIÇÃO

CURADORIA: Amanda Bonan, Ana Maria Gonçalves e Marcelo Campos
@marcelocampos7825 @amandabonan @_anamariagoncalves
EXPOGRAFIA: Aline Arroyo Ayrson Heráclito @ayrsonheraclito
com colaboração de @priscila_mfs
IDENTIDADE VISUAL: @voltzdesign
DESIGN E SINALIZAÇÃO: Alessandra Soares, Cláudio Santos e Estevam Gomes
@alessandra_m_soares, @claudiovoltz e @estevamgomes
ILUMINAÇÃO: @andregboll
MONTAGEM FINA: @manuseio
SESC PINHEIROS: @tcabette @camilahion @pacolantuono
FOTOS: Paulo Pereira

O Festival de Fotografia de Tiradentes – Foto em Pauta chega à sua décima terceira edição em 2024. Entre os dias 6 e 10 de março, a cidade será palco de diversas exposições, debates, projeções de fotografias, lançamentos de livros e atividades educativas voltadas para a comunidade local. Reafirmando seu compromisso com a qualidade da programação, o Festival proporciona ao público ricas experiências e trocas com profissionais de renome nacional e internacional, cuja produção artística é representativa no cenário da fotografia brasileira.

Mais de 40 artistas participaram do lançamento de seus fotolivros no 13º Festival de Fotografia de Tiradentes. A Lovely house [@lovelyhouse.casadelivros] e a Editora Origem [@editoraorigem] foram parceiras do projeto, com o entusiasmo dos autores e autoras para este grande encontro em torno dos livros de fotografia.

Todo ano fotógrafos de várias partes do país têm a oportunidade de compartilhar os trabalhos deles com o público. Neste contato, há uma interação entre as duas partes e o artista recebe impressões do visitante enquanto pode também falar sobre si mesmo e a fotografia.

A Voltz mais uma vez cuidou da Identidade Visual, do material gráfico e da sinalização. É uma parceria de muitos anos. Veja como participamos das outras edições:

Festival de Fotografia de Tiradentes – 2017

Festival de Fotografia de Tiradentes – 2016

Festival de Fotografia de Tiradentes – 2016 – Oficina Tipográfica

Festival de Fotografia de Tiradentes – 2016 – Tipografia Assunção

A Prefeitura de Belo Horizonte inaugurou no dia 17 de dezembro de 2022, no Museu da Moda de Belo Horizonte – Mumo, a exposição “Saberes da Costura: do molde à roupa”. A mostra aborda elementos presentes no fazer da costura doméstica e profissional no Brasil no século XX, destacando especialmente a história do Método de Corte Centesimal, criado na década de 1930 em Minas Gerais.

O Método de Corte Centesimal foi criado em Belo Horizonte, no ano de 1934, pela costureira Carmen de Andrade Mello e Silva e seu marido, o engenheiro Antônio Mello Silva. Esse Método nasceu da necessidade prática de se diminuir o número de provas de roupas, passando a estruturar cada molde com medidas individuais. O corte centesimal atravessou gerações e passou a ser ensinado em escolas e faculdades de design e moda, formando milhares de profissionais e criando uma rede de formadoras, em sua maioria mulheres.

O método também foi pioneiro em ideias como sustentabilidade, aproveitamento de recursos, adaptabilidade e diversidade de corpos. “A exposição Saberes da Costura traz muito do que é a missão do Museu da Moda de Belo Horizonte, em especial no que diz respeito à preservação da memória e o estímulo à conservação e pesquisa em moda. Neste sentido, é muito importante mostrar ao público como o Método do Corte Centesimal foi criado e tornou-se conhecido e aplicado nos processos de formação de costureiras amadoras e profissionais.

Trata-se de uma rica história que percorre também a história da nossa cidade, pois esse pioneiro Método foi criado aqui em Belo Horizonte e se tornou uma referência para a costura em todo país. Isso deve ser ressaltado e valorizado”, afirma Eliane Parreiras, secretária Municipal de Cultura. Dessa forma, a partir de uma idealização das curadoras e de belas imagens captadas pelo parceiro de sempre Fernando Biagioni, Alessandra Soares da Voltz dirigiu conteúdos audiovisuais para a Exposição. Foram captados o dia-a-dia de Dona Dora de 92 anos que é continuadora do Método.

Segundo Janaína Melo, diretora de Museus da Fundação Municipal de Cultura, trata-se de um método que introduziu na costura propostas sustentáveis para a elaboração de moldes com melhor aproveitamento de materiais e também adaptáveis aos diferentes corpos. “Como processo de ensino, contribuiu para a inserção de inúmeras mulheres no mercado de trabalho como costureiras profissionais e até professoras que difundiram o método de modelagem no Brasil inteiro.

A identidade visual se baseou nessas histórias e  exposição vai mostrar essa história e nos objetos expostos no Museu, dentre eles,  estão manuais de métodos de corte, costura e modelagem, revistas de moda, réguas de métodos diversos, além de máquinas de costura – algumas delas remontam ao século XIX, objetos presentes em muitos lares e que recuperam uma memória afetiva do ofício da costura.

Há ainda uma série de objetos que contam a história do Método de Corte Centesimal, como os livros do método, cadernos de alunas, diplomas, fotografias, além de modelos de roupas em algodão cru confeccionadas a partir do Corte Centesimal por designs, alunas e instrutoras do método e que permitem um mergulho na moda do século XX.

A exposição, de longa duração, pode ser visitada de quarta a sábado, das 10h às 18h. A entrada é gratuita. A inauguração dessa nova exposição no Museu da Moda integra as celebrações dos 125 anos de Belo Horizonte promovidas pela Prefeitura. A programação completa está disponível no Portal da Prefeitura de Belo Horizonte.
Fonte: Portal Belo Horizonte

EXPOSIÇÃO SABERES DE COSTURA – DO MOLDE À ROUPA
Curadoria: Carolina Dellamore Miriam Hermeto
Coordenação da exposição: Carolina Ladeira
Museologia: Victor Louvisi
Assistente administrativo da exposição: Fernanda Virgínia
Coordenação de figurino: Carolina Franco
Cenografia / Projeto Expográfico: Artes Cênica / Alexandre Rousset
Audiovisual: Voltz Design / Alessandra Soares e Cláudio Santos
Programação: Visual Mangá
Conservação Preventiva: Patrícia Lavall
Iluminação: Gran Produções
Revisão: Ricardo Maciel dos Anjos Tlön Serviços Literários
Assessoria de Imprensa: Júnia Alvarenga
Assessoria de Comunicação Coordenador: Adilson Marcelino
Jornalistas: Fábio Oliveira Naiara Rodrigues

A Exposição “Um Defeito de Cor” faz revisão historiográfica da escravidão abordando lutas, contextos sociais e culturais do século XIX. A exposição é inspirada no romance de Ana Maria Gonçalves que propõe uma revisão crítica da diáspora africana. A escritora, ao lado de Ayrson Heráclito, Marcelo Campos e Amanda Bonan, assinou a curadoria da exposição e reuniu 400 obras de, sobretudo, artistas mulheres negras, incluindo Rosana Paulino, Silvana Mendes, Yêdamaria, Maria Auxiliadora, Yedda Affini e Djanira.

Apresenta também obras dos artistas Antonio Oloxedê, Goya Lopes, Kika Carvalho e Kwaku Ananse Kintê concebidas especialmente para a exposição; uma paisagem sonora inédita criada por Tiganá Santana e Jaqueline Coelho; e ainda gravações da leitura de trechos do livro pelas vozes de Ana Maria Gonçalves, Helia Iza da Silva Gonçalves – sua mãe, o que aponta um aceno ao próprio livro que trata da relação entre mãe e filhos – e Leda Maria Martins, pesquisadora de questões de racialidade.

Ao todo serão 400 obras de artes entre desenhos, pinturas, vídeos, esculturas e instalações de mais de 100 artistas de localidades, como Rio de Janeiro, Bahia, Maranhão e até mesmo do continente africano, em sua maioria negros e negras, principalmente mulheres.

De acordo com a Revista de Museu, “o defeito de cor era um conceito exigido de liberação racial comum no século XIX. Na época, se configurava a racialidade nas questões positivistas, como se pessoas racializadas, indígenas e negras, pudessem ter na sua constituição biológica algo que fosse um defeito, como pouca inteligência, por exemplo. Então, a exposição aborda esse trauma da investigação a partir da trajetória da protagonista do romance, a africana, Kehinde”.

O projeto expográfico de Ayrosn Heráclito e Aline Arroyo dividiu em 10 núcleos, que se espelham nos 10 capítulos do livro e falam de revoltas negras, empreendedorismo, protagonismo feminino, culto aos ancestrais, África Contemporânea, entre outros temas. A identidade visual e sinalização desenvolvida pela Voltz usou elementos do projeto expográfico para criar o ícone que deu origem a uma padronagem exclusiva. A Tipografia que buscou influências nos símbolos Adinkra e nas referências circulares da narrativa do romance.

Na abertura aconteceu um show com a Beija Flor de Nilópolis, que fez todo mundo sambar muito, e lotou o auditório pra prestigiar o debate: “NEGRITUDES 22 – Viva as Narrativas Pretas! A influência das costuras literárias no audiovisual”. Contou com a presença de Ana Maria Gonçalves.

Serviço
Um Defeito de Cor
Local: Museu de Arte do Rio
Endereço: Praça Mauá, 5 – Centro, Rio de Janeiro – RJ
Data: De 10 de setembro até maio de 2023
Funcionamento: De terça a domingo, das 11h às 17h.
Ingresso: Grátis

O “Pampulha Território Museus” é uma iniciativa da Prefeitura de Belo Horizonte, por meio da Secretaria Municipal de Cultura e da Fundação Municipal de Cultura, e do Instituto Periférico que integrou as três unidades museais que compõem a orla da Lagoa da Pampulha: o Museu de Arte da Pampulha – MAP e a Casa do Baile, reconhecidos pela Unesco como Patrimônio Cultural da Humanidade, e o Museu Casa Kubitschek. O projeto trouxe em sua agenda uma série de atividades voltadas para a valorização da arte, do design, da arquitetura, do urbanismo e do paisagismo cultural. Ao longo dos 12 meses do projeto, foram realizadas 3 exposições, diversas atividades culturais, educativas, projetos de design, vídeos e publicações.

A Voltz foi responsável pela projeção em uma empena num prédio na Região Centro-Sul  de BH. Foi exibida a animação na noite do dia 11 de dezembro de 2021, com imagens históricas, de acervo dos museus e fotos de Marcel Gautherot combinadas com cartelas institucionais e informativas sobre o projeto PTM. Assista o vídeo da empena >>

A Voltz junto com o coletivo M2D produziu tótens para os equipamentos museais:  Museu de Arte da Pampulha – MAP, Casa do Baile e Museu Casa Kubitschek. Foram criados conceitos estruturantes baseados nas funções originais de cada museu e em uma expansão poética dessas funções. Assim, temos um binômio de verbos para cada tótem.

Museu Casa Kubitschek: Morar/Viver

Casa do Baile: Dançar/Deslocar

Museu de Arte da Pampulha: Jogar/Narrar

Desenvolvemos também a identidade visual, sinalização e conteúdo dinâmico da Exposição “Outras Habitabilidades“, com a coordenação do Instituto Periférico, junto com o curador Marconi Drummond e a equipe da Micrópolis. O diálogo da casa modernista com outros modos de morar, arquiteturas e expressões artísticas diversas constituíram a essência da exposição.

Projetada nos anos de 1940 por Oscar Niemeyer para Juscelino Kubitschek, então prefeito de Belo Horizonte, a casa recebeu a mostra que articulou obras contemporâneas, arte indígena e objetos de design com os móveis originais dos anos de 1950, que pertenceram a Juracy Guerra, antiga proprietária da casa. A exposição também apresentou os contextos históricos, culturais e políticos que caracterizam o território da Pampulha.

Assista os vídeos das outras exposições:

“Gráficografia” – interlocução entre as artes visuais e o design está presente a partir de linguagens e manifestações gráficas contemporâneas. O vídeo destaca os índices gráficos presentes no acervo do Museu de Arte da Pampulha, ponto de partida para o eixo curatorial da exposição. Com o fechamento do edifício-sede do Museu de Arte da Pampulha para restauração, o Museu Histórico Abílio Barreto acolheu parte do acervo e incorporou obras de artistas convidados.

“Marcel Gautherot – registros modernos da invenção da Pampulha: depois e além”, sobre a obra do fotógrafo francobrasileiro. Os visitantes podem também visitar a mostra presencialmente, até 3 de julho de 2022, na Casa do Baile – Centro de Referência de Arquitetura, Urbanismo e Design.

“Lab Design” foi o processo e o resultado da produção de oito designers e dois coletivos de Belo Horizonte que se reúniram sobre a curadoria de Flávio Vignoli para o desenvolvimento de protótipos de produtos de design, tecendo relações entre a Pampulha e a capital mineira.

O Catálogo foi lançado no dia 02/07/22, com design de Marconi Drummond e registra as três exposições realizadas pelo projeto Pampulha Território Museus:“Marcel Gautherot – registros modernos da invenção da Pampulha: depois e além”, “Outras Habitabilidades” e “Gráficografia”. Ficou também registrada nossa participação na Roda de Conversa “Poligráficofonia”. Acesse aqui o catálogo e todas as publicações desenvolvidas.

Quer saber mais? Acesse pampulhaterritoriomuseus.com.br.
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CCBA – Centro Cultural do Brasil em Angola (Luanda / África)
DATAS: 5 a 22 de maio 2022

O Centro Cultural do Brasil em Angola (CCBA) recebe, no próximo dia 5, às 10:00, a Exposição Digital de poesia #arteliBeRdade no âmbito da realização do “Festival Língua à Solta” para assinalar o dia 05 de maio, que celebra a Língua Portuguesa. Realizado em parceria com o Camões – Centro Cultural Português, o “Festival Língua à solta” acontece entre 4 e 7 de maio e traz diversas atividades relacionadas com a diversidade e multicentralidade da Língua Portuguesa no mundo.

A exposição digital de poesia #arteliBeRdade tematiza os sentidos da relação entre arte e liberdade através de poemas, vídeos, fotografias, desenhos, pinturas, performances, etc., em formato de projeção digital. O objetivo da exposição é oferecer ao público a oportunidade de apreciação estética e ao mesmo tempo a reflexão crítica sobre o valor humanístico da liberdade, através de obras de 40 artistas brasileiros e 3 gregos, os quais abordam a temática proposta sob diferentes prismas. A riqueza da poesia em língua portuguesa falada no Brasil é conjugada com belas imagens, que remetem a um universo exótico e diverso. Imagens de cenas urbanas, de quilombos (comunidades formadas por ex-escravos africanos), de paisagens naturais, animais e abstrações criam um imaginário rico, onde a ideia de liberdade se revela em sua pluralidade.

A exposição foi curada por Celina Lage, Emília Mendes, Cláudio Santos Rodrigues e Marcelo Dolabela (in memoriam). Os artistas participantes são Adriana Versiani dos Anjos, Álvaro Andrade Garcia, Ana Marthinica, André Russo Valério, Bruna Kalil, Caio Saldanha, Carlos Barroso, Celina Lage, Clara Albinati, Clarice Steinmüller, Cláudio Jimmy, Cláudio Santos Rodrigues, Claudio Vieira Rocha, Daniel Carneiro, Daniela Goulart, Duda Las Casas, Elisa Campos, Emília Mendes, Fernando Badharó, Gabriela Gomes, Giannis Misouridis, Hortência Abreu, Hope Gigantopolis, João Castilho, João Gilberto Lara, Júnia Penna, Marcelo Dolabela, Marcos Chateaubriand, Mário Alex, Mônica Aquino, Oscar Araripe, Pedro Sako, Priscila Heeren, Renato Negrão, Ricardo Aleixo, Ricardo Burgarelli, Ricardo Macedo, Rogério Barbosa, Samuel Eller, Sônia Labouriau, Teodoro Assunção, Thanos Kois e Vera Casa Nova.

Instituições Parceiras – Programa de Pós-graduação em Artes (Escola Guignard/Escola de Música) e Escola de Design da Universidade do Estado de Minas Gerais (UEMG), Laboratório de Edição da Faculdade de Letras da Universidade Federal de Minas Gerais (UFMG), Voltz Design | Polo Audiovisual da Zona da Mata.

Veja o vídeo completo:  https://vimeo.com/216994244

O que nos move são as conexões. Seguimos juntos em 2022!

Com curadoria e e concepção de Marcelo Drummond a Plataforma Digital foi desenvolvida pela @voltzdesign e pode ser acessada pelo ambiente virtual do SESC <anexa>.

Este projeto é uma extensão da exposição “Fabricação Própria” da artista @lotuslobo, que acontece presencialmente no galpão do Sesc-Pompéia em São Paulo, até 30 de janeiro de 2022.

De natureza interativa, toma como referência central as maculaturas, chapas de acertos de impressão apropriadas pela artista em 1970, dentro da fábrica da Estamparia Juiz de Fora, MG.

Lotus Lobo nasceu em Belo Horizonte em 1943. Vive e trabalha na capital mineira, onde graduou-se na Escola Guingnard, da UEMG, em Artes Plásticas. Na França, estudou na École Superieure des Art et Industries Graphiques Estienne e na École D’Arts Plastiques et Sciences D’Art de L’Université de Paris. Foi professora de litografia na UEMG e na UFMG em intervalos entre 1966 a 1993.

Estas tantas experiências artísticas, inauguradas nos anos 1960, foram seminais na construção discursiva de Lotus Lobo e ainda reverberam na sua produção contemporânea. Na carreira da artista, convém destacar a sua participação na “X Bienal de São Paulo” (1969), quando recebeu o Prêmio Itamaraty ao exibir três objetos-gravuras (lito-objetos) manipuláveis pelo público. Nota-se, ainda, sua participação na emblemática manifestação “Do corpo a terra” (1970), organizada pelo crítico de arte Frederico Morais e realizada no Parque Municipal de Belo Horizonte, onde Lotus propôs a intervenção “Plantação”.

Entrou em contato, a partir de 1969, com a produção de embalagens em folha de flandres da Estamparia Juiz de Fora (MG), onde coletou matrizes das primeiras décadas do século XX, e, a partir daí, por meio da apropriação e manipulação de imagens, produziu obras que desvelam o caráter criativo dos ambientes fabris, convidando o público a também experimentar novas possibilidades de leitura.

A reunião e o deslocamento desses objetos são formas de dar visibilidade a sua composição, evidenciando autorias, especificidades regionais e temporalidades. É justamente a partir de uma proposta de interrupção e inversão do ciclo de vida habitual de tais itens que se constitui o trabalho artístico e de pesquisa de Lotus Lobo.

Monte seu postal em >> https://lotuslobo.sescsp.org.br/
Acesse o Catálogo Virtual >> ISSU

O Museu de Arte do Rio (MAR) estreiou no dia 25 de setembro de 2021 sua maior mostra do ano. Chamada de “Crônicas Cariocas”, a exposição foi pensada para escutar e discutir o Rio de Janeiro que não está nos livros, mas que figura no imaginário coletivo daqueles que vivem e respiram a cidade em toda sua complexidade. A montagem dá vida às histórias cotidianas; relações com a vizinhança; festas; encontros dos ônibus lotados e calçadas. Por trás daquilo que é exportado ao mundo, propõe-se narrar o Rio que se embeleza e finge não ver os subúrbios, com toda sua diversidade.

A identidade visual criada pela Voltz junto ao diretor de Arte e responsável pela expografia Valdy Lopes, partiu de uma padronagem desenvolvida, tendo como referência os grafismos estampados nos passeios e calçadões. Foi usado também como inspiração recursos gráficos que vieram das embalagens de pão e saquinhos de pipoca, tão presentes em nossas vidas e nosso cotidiano.

A exposição com cerca de 110 artistas, onde podemos destacar Sônia Gomes, Lucia Laguna, Rosana Paulino, Brígida Baltar, Denilson Baniwa, Alexandre Vogler, Bispo do Rosário, Laerte e Bastardo. Nomes contemporâneos, a exemplo de Guignard, Di Cavalcanti, Lasar Segall e Mestre Didi, também compõem a coletiva. Além de Amanda Bonan, assinam a curadoria o curador-chefe do museu, Marcelo Campos, o historiador Luiz Antônio Simas e a escritora Conceição Evaristo.

Ao todo, quase 600 obras de arte — nos mais diversos suportes, como vídeos, objetos, instalações, fotografias e pinturas — vão ocupar três galerias do museu, cuja arrumação confere ares labirínticos ao local. Cada pedaço de parede revela momentos do Rio. Do orgulho negro as noites eróticas. Desse total de peças, 79 já faziam parte do acervo museológico do MAR. Visando incentivar a produção artística e fortalecer o papel social do museu, a exposição também vai contar com obras comissionadas, criadas especificamente para a mostra.

Já no início da exposição o visitante será surpreendido por uma parede revestida com saquinhos de pão silkados com letras e estampas e por um burburinho vindo do túnel que dá acesso às galerias. Trata-se do áudio de uma conversa entre Luiz Antônio Simas, Conceição Evaristo e a cantora Teresa Cristina. Ao fim da passagem, na chegada ao primeiro espaço expositivo, uma televisão exibe o vídeo do bate-papo. A ideia é brincar e fazer referência às conversas de janela entre vizinhos, que em razão da pandemia de covid-19 passaram a acontecer virtualmente.

Mais informações em www.museudeartedorio.org.br